By Amir Xhakoviq
On the cover: Glenn Gould photographed by Don Huntstein
*ENGLISH/ITALIANO
Traduzione di F. Dawn
The subject of this article comes as an influence from a long period of observing and listening to Gould’s recordings and other complex activities he was engaged during his career such as writings, radio programmes and documentaries.
His artistic activity is an important asset to understand the developments that have occurred throughout the twentieth century. Gould’s musicianship, intellectual and innovativeness toward performance certainly do serve as a kind of ‘guide’ for the modern musician, especially nowadays when classical music is increasingly suffering a great depression. Discovering Gould’s recordings was a long process of understanding, precisely because his interpretations involve completely different approach to music that challenges one’s belief in many regards.
Gould came to achieve his international reputation as a pianist after a recital in New York and Washington DC in 1955. Unlike other cases where a pianist would usually for the first appearance choose to draw the attention from the public in the accepted way, i.e. the ‘Lisztian style’, Gould decided to present rather unusual programme by the “likes of Sweelinck, Byrd, Bach, late Beethoven, Berg and Webern, the distinctive pianistic style and extraordinary interpretations, and his bizarre stage mannerism (including humming and singing) marked him as an individual and original artist”.[1]
The New York’s concert success received great appreciation from both audience and critics which quickly led Gould to sign a recording contract for the most distinguished recording company Columbia Records’ Masterwork Division.[2] During the same year Gould returned to New York, this time to record his first record. It is apparent that Gould from the beginning of his career did not accept being in line with programming of records nor concerts and yet seems to “have been able to impose a type of repertoire which did not a priori seem to meet with the criteria of the musical market”.[3] Nevertheless, he was, as it would appear after recording the Goldberg, fully convinced that his approach would make enough distinction from the rest of performing colleagues “who make up the meat and potatoes of the piano repertoire”[4] and place him directly to the attention of the classical music’s establishment – after the World War II, the piano scene was dominated by virtuosos like Richter, Horowitz and Gilels who were following the great Lisztian tradition, which emerged also the foundation of international competitions.
After this successful recording (the recording became a best seller immediately after the release) Gould became directly a wanted pianist to perform on stage in different continents. He followed a scheduled concert career in his country, US and Europe where he played with acclaimed orchestras such as New York and Berlin Philharmonic.[5]
His unorthodox approach toward the musical score, the unheard/unseen piano technique – the so called “finger tapping” technique which he learned from his teacher in the conservatory, Alberto Guerrero – conducting while playing, contrasting tempi, singing and weird conceptions, the bizarre chair with extremely low positioning, the rug under his feet, were more than enough to construct an image completely different from the rest of pianist present at the time.[6]
Consequently, whatever Gould decided to perform, it was not what the listener was used nor expected to hear. And that was exactly what Gould intended most of the time no matter if there was a concert or recording, which was in essence a technique used to occupy the attention from the listener. In an interview talking on this particular topic, Gould’s example of Mozart Piano Sonata K331, doing the opposite of ‘Hollywood’ way of playing, went for rather to extreme interpretation by making a range of agogics, and “finally doing one really perverse thing, and that is taking a variation that Mozart has actually marked Adagio and turning it into an Allegretto”.[7] There are more examples where Gould has been bizarre on approaching well known classical works. Another one is certainly Beethoven’s Piano Sonata [Moonlight] Op. 27 n.2, where he does the opposite intentionally ignoring a long tradition of playing the first movement with rubato and profound expressivity, whilst instead he approaches the tempo faster, strictly rhythmic and simply focusing on metric elements and the structure of the piece.[8]
This particular unconformism of Gould’s interpretation led to an infamous scandal with the New York Philharmonic Orchestra where he was to play Brahms’ Piano Concerto in D minor conducted by Bernstein. The two exceptionally original artists could not reach mutual agreement for the conception of the piece, and Gould, apparently did not by any means accept other suggestions that would affect his conception of the piece. As a result seems to have forced Bernstein to accept completely his conception and to make an unprecedented speech explaining the conflict that had occurred during the rehearsals.[9]
After this unprecedented speech held by Bernstein, which in fact had never before occurred in history of New York’s Philharmonic Orchestra, day after the event some critics went as far as commenting that he was not able to play the concerto in real tempi because of his limited technical abilities.[10]
NOTES
[1] Phillips, Rick. “Man, Musician, Myth and Mystique”, Gramaphone, Vol. 80, No. 956 (2002), 28. [2] Wilson R, Frank. Medical Problems of the Instrumentalist Musician. Glenn Gould’s Hand. London, Martin Dunitz, Ltd., 2000, 381. [3] Monsaingeon, Bruno. “Introduction to the Last Puritan”, Bulletin van The Glenn Gould Society Groningen, The Society, Vol. 3, No. 2 (2007) [4] Timberg, Scott. “The Cult of Gould”, Los Angelos Times (2003), 2. http://articles.latimes.com/2003/aug/10/entertainment/ca-timberg10/2 [5] Wilson R, Frank. Medical Problems of the Instrumentalist Musician. Glenn Gould’s Hand. London, Martin Dunitz, Ltd., 2000, 381. [6] Phillips, Rick. “Man, Musician, Myth and Mystique”, Gramaphone, Vol. 80, No. 956 (2002), 27. [7] Glenn Gould Interview: https://www.youtube.com/watch?v=i8dSdoGQKXE [8] Glenn Gould: Beethoven Piano Sonata (Moonlight) Op. 27 n.2 https://www.youtube.com/watch?v=HoP4lK1drrA [9] Toronyi-Lalic, Igor. “When Berstein met Gould”, The Telegraph (2007): http://blogs.telegraph.co.uk/culture/igortoronyi-lalic/3687071/When_Bernstein_met_Gould/ [10] Genius within The Inner Life of Glenn Gould: https://www.youtube.com/watch?v=jIc_USZtIiE
GLENN GOULD – UN INTERPRETE CO-AUTORE
Il contenuto di questo articolo è il risultato di un lungo periodo di osservazione ed ascolto delle registrazioni di Gould e delle altre poliedriche attività, di cui egli si occupava durante la sua carriera, come scritti, programmi radiofonici e documentari. La sua carriera artistica è una risorsa importante per poter meglio comprendere gli sviluppi verificatisi nel corso del ventesimo secolo. La musicalità di Gould, l’essere intellettuale e innovativo nell'esecuzione, serve come una sorta di guida per il musicista moderno, specialmente ai giorni d’oggi, dove la musica classica sta vivendo sempre più un periodo di profonda crisi.
Il confronto con le registrazioni di Gould è stato un lungo processo di consapevolezza, proprio perché le sue interpretazioni implicano un diverso approccio nei confronti della musica, che sfidano sotto molti aspetti le convinzioni di ognuno di noi.
Gould ottenne la sua fama internazionale come pianista dopo un recital a New York e Washington DC nel 1955. A differenza di altri casi, dove il pianista di solito per il debutto sceglierebbe di catturare l’attenzione del pubblico in maniera più canonica, ovvero nello “stile lisztiano”, Gould decise di presentare un programma alquanto insolito, “come Sweelinck, Byrd, Bach, ultimo Beethoven, Berg e Webern, lo stile pianistico distintivo e le interpretazioni straordinarie, e il suo bizzarro manierismo di scena (inclusi mormorio e canto) lo distinsero come un artista unico e originale”.[1] Il successo del concerto a New York ricevette grandi apprezzamenti sia di pubblico che di critica, portando immediatamente Gould a firmare un contratto con la più prestigiosa compagnia di registrazione, la Columbia Records’ Masterwork Division.[2]
Nello stesso anno Gould ritornò a New York, questa volta per registrare il suo primo disco.
Risulta evidente che Gould fin dall'inizio della sua carriera non accettò di essere in linea con i repertori adatti alle registrazioni e nemmeno quello dei concerti,eppure “sarebbe riuscito a imporre un tipo di repertorio che a priori non sembrerebbe andare d’accordo con i criteri del mercato musicale”.[3] Tuttavia, egli era totalmente convinto, come risulta dopo aver registrato le Goldberg, che il suo approccio interpretativo si sarebbe distinto a sufficienza dal resto dei colleghi esecutori “who make up the meat and potatoes of the piano repertoire”[4], ponendolo direttamente all'attenzione del mondo della musica classica – dopo la Seconda Guerra Mondiale, lo scenario pianistico era dominato da virtuosi come Richter, Horowitz e Gilels, che seguivano la grande tradizione lisztiana, la quale del resto era il fondamento dei concorsi pianistici internazionali.
Dopo questa registrazione di successo, divenuta immediatamente un bestseller dopo la pubblicazione, Gould divenne un pianista richiesto dai palcoscenici di diversi continenti. Seguirono una serie di concerti nel suo paese, negli USA e in Europa, dove suonò con orchestre famose come la filarmonica di New York e Berlino.[5]
Il suo approccio non ortodosso nei confronti dello spartito, la tecnica pianistica mai vista e sentita – il cosiddetto “finger tapping”, tecnica imparata dal suo maestro in conservatorio, Alberto Guerrero – il dirigersi mentre suona, i tempi contrastanti, il cantare e le altre stranezze, la bizzarra sedia estremamente bassa, il tappetino sotto i suoi piedi, erano più che sufficienti per costruire un’immagine completamente differente dal resto dei pianisti del tempo.[6]
Di conseguenza, qualsiasi cosa Gould decidesse di eseguire, non era mai ciò che l’ascoltatore era solito o si aspettava di sentire. Era esattamente questo ciò che Gould voleva il più delle volte, fosse un concerto o una registrazione, in sostanza, era uno stratagemma per catturare l’attenzione dell’ascoltatore.
In un’intervista su questo particolare argomento, Gould fece un esempio con la Piano Sonata K331 di Mozart: facendo l’opposto della maniera di suonare di “Hollywood”, optò per un’estrema interpretazione, con una varietà di agogiche “e in fine, in modo perverso, prese la variazione che Mozart ha segnato come Adagio e la trasformò in un Allegretto”.[7] Ci sono altri episodi dove Gould si è approcciato in modo bizzarro a brani celebri di musica classica. Uno è certamente la Piano Sonata di Beethoven [Chiaro di luna] Op. 27 n.2, dove egli fa intenzionalmente l’opposto: ignora una lunga tradizione di esecuzione del primo movimento, con rubato e con una profonda espressività, e prende di contro il tempo più veloce, con rigore nel ritmo e semplicemente concentrandosi sugli elementi metrici e sulla struttura del pezzo.[8]
Questo particolare anticonformismo nell'interpretazione di Gould lo portò ad uno scandalo infamante con la New York Philharmonic Orchestra, dove doveva eseguire il Piano Concerto in Re minore di Brahms, condotto da Bernstein. I due, artisti eccezionalmente originali, non riuscirono a giungere ad una visione comune del pezzo, e Gould apparentemente non accettò per alcuna ragione altri suggerimenti che potessero mutare la sua iniziale idea. Come risultato, Bernstein, costretto ad accettare totalmente la sua visione, tenne un discorso senza precedenti, spiegando il conflitto avvenuto durante le prove.[9]
Il giorno dopo l’accaduto, fatto unico nella storia della New York’s Philharmonic Orchestra, alcuni critici arrivarono a sostenere che egli non fosse in grado di suonare il concerto nel tempo giusto a causa delle sue limitate abilità tecniche.[10]
NOTE
[1] Phillips, Rick. “Man, Musician, Myth and Mystique”, Gramaphone, Vol. 80, No. 956 (2002), 28.
[2] Wilson R, Frank. Medical Problems of the Instrumentalist Musician. Glenn Gould’s Hand. London, Martin Dunitz, Ltd., 2000, 381.
[3] Monsaingeon, Bruno. “Introduction to the Last Puritan”, Bulletin van The Glenn Gould Society Groningen, The Society, Vol. 3, No. 2 (2007)
[4] Letteralmente: "mettere insieme la carne e le patate del repertorio pianistico". Espressione che significa scegliere i brani più ovvi del repertorio pianistico, in quanto i più suonati.
Timberg, Scott. “The Cult of Gould”, Los Angelos Times (2003), 2.
http://articles.latimes.com/2003/aug/10/entertainment/ca-timberg10/2
[5] Wilson R, Frank. Medical Problems of the Instrumentalist Musician. Glenn Gould’s Hand. London, Martin Dunitz, Ltd., 2000, 381.
[6] Phillips, Rick. “Man, Musician, Myth and Mystique”, Gramaphone, Vol. 80, No. 956 (2002), 27.
[7] Glenn Gould Interview: https://www.youtube.com/watch?v=i8dSdoGQKXE
[8] Glenn Gould: Beethoven Piano Sonata (Moonlight) Op. 27 n.2 https://www.youtube.com/watch?v=HoP4lK1drrA
[9] Toronyi-Lalic, Igor. “When Berstein met Gould”, The Telegraph (2007): http://blogs.telegraph.co.uk/culture/igortoronyi-lalic/3687071/When_Bernstein_met_Gould/
[10] Genius within The Inner Life of Glenn Gould:
